The Rutt-Etra is an image synthesizer that produces live modulation of oscilloscopic forms. This special technique has enabled Gary Hill to give this quality of presence to the visual transformations of Happenstance. What actually takes place is produced there and then, like the crystallisation of thought: words, forms, images are all bound and unbound. The musical rhythm and rapidity of the links make Happenstance a “conceptual clip”. Gary Hill is at his peak here inasmuch as, in Happenstance, thought is expressed as a technical object, an instrument of transformation. First and foremost, it is the words that are the most mobile: speech moves forward, moves forward singing, with the written signs sliding in lines on the electronic screen. The visible shapes (round, square, and triangle) remain still within the frame or move on the spot by distorting their shape. In reality, the readable and the visible are electronically intertwined with the utmost subtlety, so that we see pyramids of letters twisting and liquefying. The voluminous, pyramidal expression “Vanishing Points” disappears and disintegrates before our very eyes. The tautology between image and text differentiates between them with the brilliance of a cut. In both a literal and tangible way, Gary Hill manages, as he expresses it, to show that “words speak only of themselves”. The borderline between words and images, however, becomes incessantly more malleable and flexible. Words are things and things are words. Everything is represented by signs and hieroglyphs to be deciphered.

• Happenstance

Our research aim is to study the perception of paintings related to mediations that occur in situations like visiting museums. Including the time spent looking at labels in the time spent looking at the painting, Smith and Smith (2001) distinguish different types of looking patterns and conclude that half a minute examination (“consuming”) seems to be the standard. They suggest that it is the collection which is the unit of analysis when spending time on art, so any particular work will get a limited amount of viewing time by the visitor. Museums educational potentials are often discussed, if museums want to help visitors to interpret and relate to exhibit content there is a need to create, in particular, effective labels (Screven, 1992). In earlier studies we were able to show that reading labels may augment time spent looking at paintings in a museum (Gottesdiener, 1992), that using a computer game before a gallery visit may serve as an advance organizer having an impact on the visit (Gottesdiener & Boyer, 1992), and that the order in which paintings are seen influence what is perceived (Kawashima & Gottesdiener, 1998). Insofar as eye-movements reveal the perceptual and cognitive processes that underlie an aesthetic episode with visual art (Locher, 2006), we tried, in this exploratory study, to evaluate the relevance of recording eye movements to analyze the mediations’ impact. We explored first the effect of the nature of audio-recordings on the visual exploration of paintings presented to young adults and secondly the impact of the exploration of a commented upon «classical» work on a «modern» work inspired by the former one .

The works chosen are The Ménines by Velazquez (1656) and a painting by Picasso (1957) Les Ménines d’après Velasquez. The comment was either structural or contextual. The order of display of the paintings had no effect on the participants’ time of observation, however, it had an effect on the number of fixations. For Picasso’s painting the number of fixations was greater when viewers saw Picasso’s painting first and, on the contrary, the number was greater for Velazquez’s painting when seen second. As far as the audio-recorded comments are concerned, whatever their nature, they induce a longer time of observation of the work. No effect of the nature of the comment, whether structural or contextual, was found.

Cette intervention porte sur la notion d’espace telle qu’elle est utilisée en pratique par les danseurs et les dessinateurs. Parmi toutes les formes d’art chorégraphique ou visuel, certaines s’attachent particulièrement à créer une sensation d’espace ou de profondeur. En danse, cela concerne autant le spectateur que le danseur lui-même. En revanche, d’autres formes de création privilégient un rapport frontal au public, dans le cas de la danse, ou un traitement graphique des surfaces sans notion de profondeur, dans le cas des arts plastiques. L’espace tridimensionnel est en théorie le même pour tout le monde. Cependant, en pratique, chaque individu a une façon très personnelle de le structurer avec son corps, ses gestes, ses traits, ou encore son regard. A l’aide de vidéos d’analyse du mouvement en danse, nous présenterons la complexité de ce rapport entre un espace commun et des perceptions de l’espace extrêmement diverses. Dans la même logique, nous aborderons ensuite la représentation de l’espace en dessin, en illustration et en animation à partir de quelques exemples concrets.

La présentation rendra compte d’une collaboration d’une quinzaine d’années entre Bernard Gortais, artiste multimédia, et Guillaume Hutzler, enseignant-chercheur en informatique à l’Université d’Evry-Val d’Essonne. Les créations présentées (Quel temps fait-il au Caplan ? Le Jardin des Hasards, Mutations, Divercité) ont en commun de mettre en relation des informations collectées en temps-réel (données météo, données d’interaction) et des systèmes de génération graphiques et musicaux en temps-réel. Ces différentes créations seront présentées en expliquant les motivations artistiques et les principes générateurs sous-jacents (systèmes multi-agents, vie artificielle, informatique amorphe) mais également en explicitant les démarches conjointes de création artistique d’une part et de recherche informatique d’autre part.

• Bernard Gortais : http://pagesperso-orange.fr/bernard.gortais/
• Guillaume Hutzler : http://www.ibisc.univ-evry.fr/~hutzler/
• Divercité : http://divercity.blog.lemonde.fr/

Joseph Nechvatal est un peintre New-Yorkais qui réalise et expose depuis 1986 des peintures assistées par robots et ordinateurs. Stephane Sikora est ingénieur en informatique, spécialisé dans les applications interactives temps-réel. Depuis 2001 ils travaillent ensemble sur le projet artistique “Computer Virus”, qui repose sur une simulation de vie artificielle dans laquelle des colonies de virus attaquent et detruisent des peintures digitales en se nourissant de leur pixels. Apres une présentation du parcours et de l’univers de Joseph Nechvatal, le projet “Computer Virus” fera l’objet d’une description détaillée. En particulier il sera question de la simulation des virus et de leur ecosysteme: leur modelisation, les algorithmes utilisés, les contraintes liées à la nature artistique du projet. La présentation sera illustrée par des experiences réalisées avec le simulateur, ce qui permettra d’observer et caracteriser le comportement dynamique et complexe des population de virus.

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